Au Paradis

 

Reprise des billets iconographiques sur le blog. Rappel du principe : montrer des photos d’œuvres d’art et les supprimer de l’ordinateur pour faire de la place, en suivant un récit, en l’occurrence celui de l’Ancien testament. Ici, on ne fait pas d’exégèse ou de catéchisme, en revanche on fait pas mal d’histoire de l’art, on se promène parmi les arts.

Au printemps, je vous ai proposé deux billets sur la Genèse , il était question de la création du monde (et d’une incroyable tapisserie espagnole) et de la création d’Adam et Ève (avec des interprétations originales, et oui).

Aujourd’hui, c’est la reprise, et donc nous en sommes toujours au même point, au jardin d'Eden qu'il ne faudrait jamais quitter (mais nous n'aurions pas d'histoire dans ce cas).

Jan Soens est né au 16^e siècle dans le Brabant et il est mort à Parme (ou à Crémone) au début du 17^e. Il a beaucoup travaillé pour les Farnèse, à Rome et à Parme. Il peint des paysages avec de petites figures, souvent des sujets religieux.

Sa série photographiée à Parme est idéale pour reprendre le sujet.

Création d’Adam. Au premier plan, le cœur de l’action, avec Dieu, ce grand bonhomme à manteau rouge, qui se tient devant Adam, nu, et qui semble lui présenter son projet. De fait, le tableau vaut surtout pour son paysage : le joyeux couple de chevaux, l’éléphant exotique et reconnaissable, les biches, un vague crocodile, les belles montagnes bleutées très accidentées, les fleurs, les arbres…

Le tableau de la Création d’Ève est un peu plus riche. Au premier plan, pendant qu’Adam est endormi, Dieu fait sortir Ève de son flanc. À l’arrière-plan, Dieu montre un arbre au jeune couple et leur explique bien ce qu’il ne faut pas faire (mais quel psychologue !).

La présence sur le côté des chèvres qui ont grimpé dans un arbre semble indiquer que le bazar ne va pas tarder à régner… La partie paysagère est particulièrement réussie, avec ce couple de lévriers (j’espère que ce ne sont pas des renards) qui se font face, l’oiseau se mirant dans l’eau, les petits rongeurs sur le rocher et toutes ces fleurs – sans oublier les ours dans le sous-bois. Il y surtout le soin apporté au rendu de la végétation, variété des formes et gamme de verts.

Expulsion du Paradis terrestre. La faute est consommée. Notre gentil couple part en courant, le corps pas vraiment couvert par la végétation, avec un rappel à l’arrière-plan de la scène sous l’arbre. J’ai l’impression que le traitement des animaux est un peu malicieux avec ce mini-lion à la tête complètement niaise au premier plan, le lapin qui course l’autruche, le dindon et ses connotations, la licorne... Ils semblent bien agités; eux ont pourtant le droit de rester dans le Paradis.

Si jamais vous voulez suivre tout l'Ancien Testament, vous pouvez consulter les oeuvres de James Tissot, qui a tout illustré.

La semaine prochaine, rencontre avec les enfants d’Adam et Ève.

Images du jardin d'Éden

 

Le jardin d’Éden, appelé aussi jardin des délices (comme le titre d’une toile de Jérôme Bosch), est identifié au Paradis terrestre.

Nos deux andouilles, Adam et Ève, y vécurent heureux avec tous les animaux (et personne ne mangeait ni rien ni personne) jusqu’au moment où ils en furent chassés – mais quelle idée de vouloir comprendre et connaître les choses !

Les représentations en sont à peu près innombrables, mais aujourd’hui petit choix.

Chagall, Le Jardin d'Éden (Nice) : dans une mystérieuse forêt marine bleue et verte, peuplée d'étranges créatures, flotte un être de lumière et de fleurs qui illumine le monde autour de lui.

Chagall, Tentation d'Ève (Nice) : Adam et Ève se tiennent l'un contre l'autre, un peu comme les couples du Cantique des cantiques que Chagall représente si souvent. Ève tient la pomme d'un air dubitatif, tandis que le serpent attend patiemment, sortant d'un arbre. Ils ont l'air bien innocents, ces deux humains.

Chacun peut avoir sa propre vision du Paradis.

Je vous présente Edward Hicks (1780-1849), peintre naïf et quaker américain. Ses toiles ne représentent pas le jardin d’Éden, mais le royaume évoqué par Isaïe (« le loup habitera avec l'agneau, et le léopard s'allongera avec l'enfant, le veau et le jeune lion (...) et un petit enfant les mènera »). Il en donnera plus de 60 versions ! Cette vision d'Isaïe s'accompagne d'une évocation de l'histoire (récente) d'un jeune pays plein d'avenir, à savoir la rencontre entre Wiliam Penn et les peuples autochtones, établissant le traité de Pennsylvanie.

Hicks Edward, Le Royaume de paix (1833, Brooklyn museum). Hicks est un peintre autodidacte et on aime ses animaux aux grands yeux exorbités et aux pattes sages. C'est donc une vision des origines des États-Unis : les bêtes féroces cohabitaient avec les bébés sans les manger et les colons n’avaient pas encore exterminé les autochtones. C'est évidemment aussi une promesse d'avenir : ici naît un pays où la cohabitation pacifique entre tous sera possible.

Et maintenant, quatre vitraux du cloître de Gloucester.

De gauche à droite : Adam au milieu des feuillages ; Ève avec sa grande chevelure d’or cueillant un fruit sur un arbre ; Dieu les maudissant comme un enseignant ferme mais poli (et accompagné de deux séraphins aux ailes rouges très décoratives) ; les deux héros qui passent la porte du jardin en pleurant.

Un autre vitrail anglais, cette fois l'église Saint Mary à Fountains Abbey (Yorkshire)

Vitrail dessiné par Frederick Weekes (fin 19e- début 20e). Ici c’est Gabriel avec sa grande épée qui chasse nos héros, vêtus par des habits de feuillage.

Rosario de Velasco, Adam et Ève (1932, Madrid Reina Sofia).

Et si l'on imaginait Adam et Ève heureux ? Allongés sur l'herbe, se reposant après une bonne journée de travail, partageant un moment ensemble, loin de toute malédiction et de toute nostalgie d'un paradis perdu, comme les habitants ordinaires des villes et des campagnes. Une belle peinture figurative des années 30, avec cette stylisation des feuillages et des corps et cette gamme réduite de couleurs.

Anecdote : pour rédiger cet article, je tape dans mon ordinateur "Paradis", "Adam" et "Eden" afin de repérer les oeuvres dont je possède la photo et qui m'auraient échappé. Et je tombe sur une vision des plus terrestres du jardin d’Eden. Je ne résiste pas ; la voici :

Hugh Goldwin Riviere, Le Jardin d'Eden (1901 Londres Guildhall). Main dans la main, yeux dans les yeux, prêts à passer une éternité rien que tous les deux, voilà, ils sont ainsi ! Et Dieu et Gabriel peuvent bien aller se rhabiller.

La semaine prochaine : rien du tout. Dans deux semaines, je vous raconte mes vacances (chacun se débrouille pour avoir quelques heures de paradis).

Images de la création du monde

Intermède… Ayant réussi à épuiser tout ce que mon ordinateur contenait comme potentiel billet touristique, et partant prochainement en voyage, j’ai cherché comment occuper les deux weekends intermédiaires. Je vous propose donc le retour des billets dits iconographiques (sélection arbitraire de représentations d’un thème donné), cette fois sur la Genèse. Plus exactement, aujourd’hui les sept premiers jours de la création du monde et la semaine prochaine un court séjour dans le jardin d’Eden.

Au commencement... oui, à la genèse... il y avait… peu de choses, mais Dieu crée le monde en six jours et à la fin il trouve ça plutôt bien.

Dans les arts, cela donne quoi ?

D’abord, masterpiece, la tapisserie de la Création de Gérone (dont je vous ai déjà parlé). Ce n’est pas une tapisserie, mais une broderie de laine et de lin, réalisée au 11^e ou au 12^e siècle en Catalogne. Elle mesure près de 12 mètres carrés et a été beaucoup restaurée.

En son centre le Créateur. Autour de lui, des moments de la création du monde : des anges et l'Esprit saint, la séparation des eaux du haut et des eaux du bas, la séparation des eaux et de la terre, la création des animaux volants et des animaux nageants, la création des humains avec (à gauche) la petite Ève qui sort de la côte d'Adam et Adam qui attribue leur nom aux animaux (à droite).

Tout autour, diverses personnifications du calendrier, des saisons, des astres et des vents.

Dies Solis : Sunday, c'est dimanche. Et un des vents jouant de deux trompettes sur sa grande outre.

Cette broderie a été énormément restaurée, de diverses manières, on essaie donc d’être prudent, mais quand même, quel morceau !

Elle peut s’admirer au musée de la cathédrale de Gérone.

Antiphonaire de 1450, tempera sur parchemin, Fondation Cini. Il ne s’agit pas vraiment de la création du monde, mais vous pouvez admirer Dieu, vieillard barbu, en train de flotter sur les flots outremers, contemplant un globe qui porte une minuscule croix. Une vision unifiée de l’espace et du temps.

À Gloucester (vous savez ? l’extraordinaire cathédrale de Gloucester), les vitraux du cloître montrent les eaux de la mer séparées du ciel et les oiseaux qui s’envolent sur le ciel, ainsi que les montagnes, les arbres et la terre qui viennent de naître.

Mais le boss de la peinture de l’Ancien testament, c’est bien évidemment Chagall. Sa grande toile, La Création du monde (musée de Nice) ne représente pas le début du texte de la Genèse, mais donne une vision synthétique de la Bible, avec les tables de la Loi données à Moïse, la Crucifixion, des anges, des musiciens, des prophètes, le petit peuple du shtetl, etc., dans un immense tourbillon plein de vie et de couleur.

Une gouache de Chagall représente le sixième jour : Dieu crée l'homme (1930, musée de Nice), avec un Dieu qui court et porte le corps de l’être humain en s’enfuyant devant l’obscurité. Ce Dieu là semble protecteur.

La semaine prochaine, nous passerons quelques heures dans un merveilleux jardin avec deux jeunes héros plein d'innocence (et puis après ce seront les vacances !).

Après la mort l'histoire continue.

 

Petite Passion, petit récit de la Passion en images, c'est déjà le dernier épisode... La semaine dernière, je vous montrai des images de la Résurrection. Aujourd'hui, l'histoire continue...

Se tient d'abord l'épisode dit de Noli me tangere, rencontre entre Jésus ressuscité et Marie-Madeleine, au premier jour de la Résurrection. Puis pendant 40 jours, Jésus erre sur terre et se fait connaître à diverses personnes. Ensuite se déroule l'Ascension où il quitte définitivement le monde humain et terrestre, puis la Pentecôte qui lance les Apôtres sur les routes du monde pour leur mission d'évangélisation. Je clos l'histoire avec les Arma Christi.

En 2020, je vous avais montré plusieurs représentations du Noli me tangere, dont celle d'Edward Burne-Jones. Caravage avait fourni Le Souper à Emmaüs et L'Incrédulité de Saint Thomas. L'Ascension était l'occasion de voir les doigts de pied de Jésus, à la fois en ivoire et en peinture baroque et la Pentecôte était illustrée par une belle peinture de Nolde. Et je vous avais proposé plusieurs Arma Christi, sur des supports très différents.

Cette année, tout est regroupé et l'histoire est trouée !

Peinture anonyme, Intérieur d'une cuisine ou les Pélerins d'Emmaüs (fin XVIe ou début XVIIe, Lille Hospice Comtesse). Un tableau de cuisine ? Il faut regarder à l'arrière-plan à droite...

Alors que les scènes de repas des Évangiles donnent souvent lieu à l'évocation en arrière-plan d'une auberge, ici c'est l'inverse. La cuisine est au premier plan. Les cuivres sont rutilants, on rôtit les volailles et l'on se dépêche. J'aime bien les détails concrets : le trousseau de clés, la broche, le chat... le peintre n'a pas le talent de Van Eyck mais s'inscrit clairement dans cette tradition. Dans la salle, où le sol est bien propre, un chien ronge un os, comme s'il était sur le Golgotha, et l'on dîne. Jésus se reconnaît à son auréole et l'un des pèlerins porte le turban. L'eau et le vin repose dans une bassine, au frais.

La scène est charmante.

Anonyme, Le Souper à Emmaüs (XVIIe siècle français, musée de Nantes). Voilà qui est plus canonique.

Le repas est plus riche aussi, pain et viande. Un des pèlerins se sert du vin, pendant que l'autre écoute. Un intérieur simple et ordinaire, calme et tranquille.

Matthias Stom, Le Repas à Emmaüs (1640 Thyssen Bornemisza).

Le caravagisme, c'est quoi ? C'est ça. Magnifique adaptation nordique de la lumière de Caravage, avec ce face à face très resserré. Les personnages sont unis par la lumière chaude et dorée qui ne se dégage pas tant de la bougie que de la figure de Jésus. Il vient de rompre le pain et ils le reconnaissent. Même le jeune garçon qui fait le service est saisi.

Et ces couleurs somptueuses.

Mattia Preti, Jésus-Christ apparaît aux apôtres et à Saint Thomas (XVIIe siècle, Gênes Musei di Strada nuova).

J'ai cru qu'il s'agissait d'une simple incrédulité de Saint Thomas, mais c'est un peu plus que cela. Jésus a un visage triste, peut-être un peu déçu et résigné, pendant qu'on le scrute et que l'on examine ses blessures. Encore une fois, le voici au centre des regards comme dans tant d'épisodes précédents (arrestation, enseignement, ecce homo, etc.). Décidément, seul au milieu de tous, même au milieu de ses amis. Les apôtres touchent et palpent. L'ensemble des figures se détache sur un fond brun dans une demi pénombre.

Zonja Enkelejd, In your Vein (2011 Mucem).

Et c'est quoi ce truc ? Et bien Hoxha, le dictateur albanais, qui se prend pour le Christ et qui force le pèquenaud à reconnaître le miracle... ou comment se moquer de l'arrogance et de la propagande.

J'aime bien le fait que les visages des deux hommes à droite s'inscrivent dans la longue lignée de la peinture caravagesque : des têtes d'expression, burinées, des visages réels, face à la lumière divine de pacotille.

Ce bâton de confrérie de la Corporation des maçons et tailleurs de pierre (XVIIIe siècle, bois et plâtre,  musée d'Issoudun) représente l'Ascension (et une ascension sculptée, c'est audacieux). Jésus s'élève entre deux anges.

Mossa, L'Ascension (1905, aquarelle, galerie Ary Jan).

Une drôle d'Ascension où on ne voit même plus les pieds de Jésus (ce qui traduit un certain humour). Seulement les yeux des bergers qui scrutent le ciel à la recherche de la dernière trace et les apôtres regardant le vide. La peinture est constituée pour trois quarts de ciel vide et pour un quart de personnages tournant le dos aux spectateurs, à la recherche de quelque chose. Jésus a totalement disparu.

Anonyme, Messe de Saint Gregoire (1500, Bruges musée Groeninge).

Connaissez-vous cet épisode de la vie de Saint Grégoire ? Il s'agit bien du pape Grégoire. Celui-ci célèbre la messe alors que dans l'assistance quelqu'un rit au moment de la Communion et doute de la réalité de la présence de Jésus. Grégoire prie et l'hostie se transforme alors en doigt sanguinolent. Et puis l'hostie reprend sa forme de rond blanc et Grégoire donne enfin la Communion. Au fil des siècles, l'épisode a gagné en épisode et c'est un Christ de douleur tout entier qui apparaît sur l'autel (plusieurs exemples sur la page Wikipedia) (celui de Jérôme Bosch est particulièrement beau).

Ce tableau est remarquablement riche, parce que l'apparition n'est pas seulement celle d'un Christ de douleurs, mais l'intégralité des Arma Christi : croix, voile de Véronique, baiser de Judas, colonne de la flagellation, vêtements et dés, tenailles, etc.

De plus, en bon tableau flamand du XVe siècle, les détails abondent de toute part : le retable de l'autel montre le Portement de Croix et la Déposition (on peut donc supposer qu'une Crucifixion se tient au centre même de l'oeuvre, comme elle est au centre du christianisme), les prélats tiennent des livres qui s'ornent d'images (et on dirait bien qu'il y a une Crucifixion sur celui posé sur l'autel), les vêtements sont riches et ornés. Il faut noter tous les détails : l'encensoir qui vole, les gestes des mains, les ornements lithurgiques...

Voilà, avec ce tableau, vous pouvez réviser toute l'histoire de la Passion.

C'est le dernier épisode de ce petit récit de la Passion, plus court que le précédent, mais avec des oeuvres nouvelles. Un jour, il y aura le récit en image de l'Ancien testament et de la mythologie gréco-romaine.

J'espère que vous allez bien. Les temps sont durs. L'angoisse et l'inquiétude nous tenaillent. On fait semblant de tenir bon (bien aidée par les heures de travail) ou on est paralysé. J'ai beaucoup trop travaillé en juin et juillet sera plus paisible.

À l'heure où j'écris, les travaux de la salle de bain ont commencé (je sais qu'il y a ici des gens qui prennent des nouvelles de ma vie).

Le prochain billet "week-end" paraîtra au retour des vacances, fin août. En attendant, encore quelques billets de lecture.

Jésus est ressuscité

 

Petit récit de la Passion en images.

La semaine dernière, je vous racontais la mise au tombeau de Jésus. Nous savons bien qu’il y reste seulement trois jours, avant d’en sortir triomphalement. C’est la Résurrection et c’est le sujet du jour.

En 2020 j’avais aussi commis un billet sur la descente aux limbes (avec une explication sur cette notion), parce que pendant ces trois jours, Jésus n’est pas resté à se tourner les pouces (il a défoncé des portes à coups de pied).

Et ensuite je vous avais montré une petite ivoire, la peinture en technicolor de Grünewald et une très étonnante peinture de 1920.

Cette année, je dévie un peu du sujet initial.

Commençons par clamer la bonne nouvelle au monde : Jésus est ressuscité ! C'est l'autel principal de la cathédrale de Gand (celle qui héberge le fabuleux retable des frères Van Eyck). La lumière jaillit, les soldats s'enfuient terrorisés et le fidèle est invité à louer le miracle divin.

L'étonnante Résurrection du Christ de Benjamin Gerritsz Cuyp (XVIIe siècle Lille BA) où c'est l'ange, avec ses petits bras musclés (et la force divine) qui soulève le lourd couvercle de pierre. Original. Aux alentours des soldats et des paysans, en prière, en attente, ou épouvantés. L'ensemble baigne dans une lumière toute rembranesque.

On ne se lasse pas des albâtres anglais... (XVe siècle, Lille BA). Image canonique avec des personnages aux jambes maigrelettes et Jésus qui sort de sa boîte. Comme souvent la trogne des soldats est particulièrement réussie.

On ne se lasse pas non plus de Mantegna : La Résurrection (XVe siècle, Tours BA). D'ailleurs ce panneau est contemporain de l'albâtre même si Jésus est ici doté de muscles puissants. On n'est plus dans le gothique ! Le décor minéral donne de la majesté à l'ensemble, ainsi qu'une unité de couleur depuis les beiges jusqu'aux bruns et aux rouges. Jésus sort du sarcophage antique comme la végétation jaillit du rocher et comme la Vérité nouvelle écrase l'ancien savoir. Prière d'admirer les soldats.

 

J’ai décidé de rapprocher les représentations de la résurrection de Jésus de celles illustrant la résurrection de tous les humains – c’est pas du tout théologiquement correct. Normalement, il est prévu qu’à la fin des temps, Jésus revienne – cette seconde venue sur Terre sera la parousie. Tout le monde ressuscitera et se tiendra devant lui pour être jugé. 

Sur la question de la résurrection comme moment individuel ou collectif, bien sûr, Jacques Le Goff, L’Invention du Purgatoire.

Une des représentations les plus célèbres de l'épisode : le vitrail de la Résurrection des morts provenant de la Sainte-Chapelle (1200, visible au musée de Cluny). L'ange souffle dans la trompe et les morts (nus et très bien représentés anatomiquement - mais pas de femmes nues) sortent de leur cercueil. Les couleurs des vitraux médiévaux sont impressionnantes ! Regardez ce bleu, ce bleu ouvragé comme une soierie. Voilà qui signe l'authentique vitrail médiéval.

La même chose, mais en version émail de Limoges (1250, V&A). Un ouvrage de toute beauté, avec ces cercueils aux motifs ouvragés et ce fond fleuri.

Ce n'est pas Michel-Ange mais c'est quelqu'un qui l'a bien étudié : Jugement dernier de Pieter Pourbus (1551, HB Bruges Groeninge). Jésus triomphant, vêtu de rose, entouré des élus comme une cour royale, avec un visage tout à fait bienveillant. Et en-dessous les morts sortent de terre... certains sont hissés à l'étage supérieur par les anges tandis que d'autres sont damnés pour l'éternité.

Les morts sont des morts anatomiquement parfaits, nudité idéale pour l'éternité, mais vous noterez qu'un squelette regarde avec beaucoup de concupiscence les deux gaillards du premier plan...

Le tableau se trouvant à Bruges, nul doute que James Ensor a dû voir cette morte aux désirs bien vivants.

Parce que tout ne se passe pas à Rome ou à Jérusalem... La Résurrection à Cookham de Spencer Stanley (1924 Tate). C'est le Jugement dernier et voici les morts d'un petit village anglais qui sortent de terre ! Le tout dans un style faussement naïf avec ces plaques de gazon fleuri qui se soulèvent comme des couvercles, les gisants et les sculptures qui ont l'air de prendre le soleil et ces familles qui papotent dans le caveau. Allez, il est l'heure...

 

La semaine prochaine, les aventures de Jésus une fois ressuscité.

La Déposition et la Mise au tombeau

 

Petit récit en image de la Passion. La semaine dernière, Jésus est mort. Il faut à présent le décrocher de la croix et l'enterrer. En 2020, je vous montrais l'extraordinaire Descente de croix de Van der Weyden, conservée au Prado, un chef d'oeuvre absolu. Il y avait également une toute petite sculpture en ivoire, une Pietà du Greco, aux fabuleuses couleurs, la peinture du Rosso et encore d'autres belles oeuvres.

Cette année, nous varions davantage les techniques.

Matisse, La Descente de Croix (1949 dessin préparatoire au fusain pour le Chemin de croix de La Chapelle du Rosaire à Vence, conservé sur place). Il y a quelques semaines, je vous montrais le dessin pour le partage des vêtements, également pour ce projet.

La représentation de la descente de Croix s'inscrit bien évidemment dans une longue tradition artistique, dont je montre d'ailleurs quelques exemples. L'économie de moyens de Matisse est à saluer : quelques grands traits pour La Croix et les échelles, deux figures symétriques pour soutenir le corps de Jésus, une femme assise sur le sol et trois figures accueillant le corps, dont celle d'un soldat romain. C'est extrêmement simple et lisible. Tout le récit est là, dans ce corps mort qui ploie au centre du dessin.

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À gauche La Déposition du Christ de Preti  (1675, collection De Vito). Une belle composition baroque avec le corps de Jésus qui occupe toute une moitié de la peinture, magnifique et presque intact, alors que l'on ne voit des autres personnages que des fragments de tête. Originalité du point de vue et du cadrage, avec cette composition totalement décentrée qui laisse le ciel désespérément vide. À la fois sobre et somptueux.

À droite La Descente de croix de Rubens (1617, Lille BA) réalisée quelques années après le triptyque de la cathédrale d'Anvers. Une grande machine baroque ! Où l'on constate que Matisse connaissait bien cette peinture (ou celle d'Anvers) et en a retenu les grands lignes de la composition. Il y a tout dans cette peinture : une robe rose, le pied de Jean qui bascule à la fois sous le poids du corps de Jésus et à la fois pour le retenir, des aides musculeux, des lueurs rougeâtres...

À gauche, La Descente de Croix du Tintoret  (XVIe siècle, Caen BA) et à droite un détail de La Descente de Croix du même Tintoret  (1578-80, Strasbourg BA). Notre vénitien y multiplie les figures dans des poses contournées : le corps de Jésus apparaît à l'arrière-plan, si petit (contrairement à la toile de Preti où il est si imposant) entre les bras des aides et on tend un grand drap pour le déposer. Finalement, c'est Marie qui est au premier plan, vue depuis ses pieds.

Une Descente de Croix copiée d'après Rogier van er  Weyden (fin XVe, trésor de la cathédrale de Bruges). Cette peinture mêle une descente de croix et une piétà dans une même représentation. Elle n'est pas sans faire penser aux deux peintures de Morales que je vous avais montrées en 2020.

Une Pietà de Giovanni Bellini (1460, Brera). Une oeuvre d'une immense beauté qui saisit les visiteurs du musée. L'impression est très sobre, presque minérale, comme dans un tableau de Mantegna, mais les couleurs de la tempera sont si intenses ! Et puis il y a des détails très raffinés : le col du vêtement de Jean avec ses plis dorés, les bouclettes de Jean d'un beau blond vénitien, les cheveux de Jésus, le cartel de la signature en bas, le visage de Jésus si serein. Et surtout les deux têtes de la mère et du fils dans un ultime rapprochement.

Une Pietà qui est presque un Ecce Homo... voici l'homme après sa mise à mort.

Ex voto anonyme pour les Pénitents blancs (1672, Musée Arlaten). Un exemple intéressant car il montre que la représentation de la Pietà est insérée dans un ex voto collectif pour une chapelle.

Pietà de Maragliano (XVIIIe siècle, visible à l'église San Filippo di Neri à Gênes) (billet sur les églises de Gênes). Une grande sculpture en bois peint ! Le beau baroque génois, très expressif et pathétique.

Le Christ au tombeau de Girolamo Marchesi  (XVIe siècle, Lille BA). On est assez proche d'une descente de croix, ou d'une lamentation sur le Christ mort (image servant de support à la méditation), mais Jésus est sur le point d'être déposé dans son tombeau, dont le bord apparaît en bas de la peinture. Le corps est soutenu par les deux hommes qui le présentent au spectateur, tandis que Marie-Madeleine embrasse ses blessures. L'atmosphère est très sereine et le coloris est intense. Et que ce Christ est beau, dépouillé de toutes ses souffrances.

Une Pietà du XXe siècle : celle de Louis Bouquet (1911 coll. privée dépôt à Lyon BA), d'une sobriété puissante, avec ces deux corps qui se superposent, ces couleurs non naturalistes, très expressive.

Deux détails du triptyque de Robert Campin (vue complète sur Wikipedia) conservé au Courtauld. À gauche, vue du sinistre Golgotha. Les corps des larrons sont toujours suspendus tandis que celui de Jésus est déjà descendu. À droite, c'est un détail du panneau central représentant La Mise au tombeau, avec un ange qui essuie ses larmes. Le fond d'or orné de rinceaux apporte une richesse particulière à cette oeuvre.

Troisième et dernière semaine : vous reconnaissez le retable de Jean Poyet (visible dans la galerie à côté de l'église Saint-Antoine de Loches) (et visible en entier ici). Les couleurs sont décidément renversantes. Tandis qu'au premier plan, on s'apprête à soulever le corps de Jésus sur son linceul, à l'arrière-plan on prépare le sarcophage (vous voyez deux hommes qui tiennent le couvercle à la verticale) dans le caveau creusé dans le rocher. Les saintes femmes et le donateur sont en prière. Est-ce le donjon de Loches au fond, dans le paysage ?

Déploration sur le Christ mort du Maestro di Santa Maria Maggiore  (1480, bois, Palais madame de Turin). Vous ai-je dit que j'aimais ces grandes compositions de bois ? Je note les visages pathétiques des femmes, pleureuses, invitant le spectateur à participer à ce moment.

Nous retrouvons le peigne liturgique en ivoire de morse (XIIe siècle, fabriqué en Angleterre,  musée de la Princerie de Verdun) que je vous ai montré à propos de la Cène. On voit à gauche en haut et en bas les soldats qui gardent le tombeau. Dans le bandeau central : à gauche la mise au tombeau et à droite les saintes femmes venant le lendemain et trouvant le tombeau vide (enfin, il y a un ange). À droite en haut un ange et en bas : noli me tangere.

Un tout petit objet mais d'une extrême richesse. Le détail des ornements est tout bonnement incroyable.

Le Christ au tombeau de Jean-Jacques Henner (1884 Lille BA). Un tableau puissant de sobriété, très espagnol dans ses couleurs.

Jésus-Christ mort au sépulcre (dit aussi Lamentation sur le Christ mort) d'Andrea Mantegna (1483, Brera). Un chef d'oeuvre du genre.

Dans un raccourci saisissant le peintre nous met sous les yeux les deux pieds nus et percés de Jésus, son corps nu, magnifique et presque intact (il y a une indéniable érotique du corps de Jésus dans le catholicisme), le visage comme endormi et l'auréole si fragile. La gamme de couleur est très restreinte et la peau, les tissu et le marbre se mêlent étroitement. Sur le côté, deux fragments de visage en train de pleurer.

Le sujet est riche, je crois que le billet est trop long.

Désormais, Jésus est mort et enterré. Mais la semaine prochaine... peut-être que...